Critica a Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia: O prologo para todo el universo DC en el cine.

Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia de Zack Snyder, cuenta el conflicto entre Bruce Wayne (Batman), frente a la llegada de Superman (Clark Kent) y la destrucción de Metropolis. Esto llevara a una confrontación de titanes mientras se debate en el senado sobre el poder y la autoridad que debería tener alguien como Superman, al mismo tiempo que un maniático Lex Luthor, quien tiene planes que harán que las cosas cambien no solo para Superman, sino para todo el mundo que conocen, esto logrado por un aspecto visual contundente, pero con una historia tan cargada y con un problema de ritmo que deja un sabor agridulce al espectador, pero con ganas de conocer más sobre el universo que DC está (tratando) de construir. Esto es Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia.

Best. Superheroe Fight. Ever

Empezando por la dirección que es impactante al estilo visual y la construcción de las secuencias de acción, demostrando una vez más la gran capacidad de Zack Snyder para tomar personajes y darles dinamismo en las distintas escenas de acción, al igual que en secuencias especificas (los primeros 15 minutos son visualmente hermosos), pero que palidece un poco en el ritmo y enfoque de las tramas importantes y de cómo llevar a los personajes de un punto a otro en medio de tantas cosas.

Grandes secuencuencias, gran des momentos.

En cuanto al guion, es complicado hablar de él, así que lo dividiré en tres actos:

El primer acto se siente muy bien, con buen ritmo, buenos diálogos, dinamismos entre los personajes y motivaciones, además de dar un planteamiento perfecto para desenvolver el conflicto de los personajes y demás; Por otro lado, el segundo acto empieza a ser una mezcla entre escenas inconexas, múltiples tramas, desarrollo lento frente a unos temas, y en otros demasiado fugaz (teniendo más de un guiño a los fans de los comics) pero aun manteniendo grandes escenas con distintos personajes, palideciendo ante la lógica de cada escena, pero funcionando ante lo visual.

Y por último, el tercer acto es una montaña ruso de emociones, tramas y adrenalina, siendo un cóctel que contiene un poco de todo y se preocupa no solo por plantear el futuro DC en el cine, sino también cerrar las distintas tramas de la película, y además de eso, desarrollar las grandes secuencias de acción que nos prometieron desde los trailers y el anuncio mismo de la película, siendo muy apresurado todo, aunque de manera curiosa, logrando controlar todo, pero dejando también una sensación de que podría haberse hecho mejor.

Grandes personajes con excelentes lineas.

Por otro lado, Ben Afleck es el Batman definitivo en todos los sentidos, brutal, gigante y misterioso, sintiendo empatía con él desde el principio, además de Jeremy Irons como Alfed, quien resalta frente a Bruce Wayne no solo como su mayordomo, sino también como su tutor, amigo y aliado.

Pero sin lugar a dudas, Gal Gadot como Wonder Woman se roba cada escena en la que aparece, no solo por su belleza, sino también por su apropiación del personaje como tal: Salvaje y guerrero, sin olvidar a Henry Cavill como Superman quien logra estar bien (aunque un gran desarrollo frente al personaje, por lo que no hay simpatía).

Quizá el único pero frente a las actuaciones seria Jesse Eisenberg como Lex Luthor, ya que aunque tenga ciertas características del personaje, lo lleva a tal nivel de locura y psicosis que tiene también matices del Joker como tal, logrando una actuación muy buena, pero un personaje curioso y distinto.

La trinidad por fin junta,

Cabe mencionar también que la fotografía es excelente, logrando que cada escena se sienta con un aspecto visual con grandes contrastes y colores, sintiéndose como un comic en movimiento, además de lograr un dinamismo en las secuencias de acción y permitiendo que no se pierda este en todo el panorama, teniendo un aspecto para cada personaje y escenario como tal.

Reflejo del temperamento y físico del personaje.

Sin embargo, aunque el sonido y su respectiva mezcla presentan una gran variedad de elementos que ayudan a meternos en la película, sintiéndose muy orgánica frente a cada escena, además de dotar de vida a los personajes y su universo, la banda sonora es formidable y grandiosa, siendo adecuada en cada momento y con un tono muy superior a las anteriores compuestas por Hanz Zimmer y Junkie XL, llegando a tal punto de identificar cada personaje con un tema en específico (en especial el tema Is She With You?) .

Y por último, el diseño de producción y la dirección de arte logran un universo vivo, que se llena de vida y de gran variedad, no solo marcando a cada personaje en el vestuario (el cual es llevado de manera tan fiel y brutal a la pantalla), sino también al entorno en donde esta cada uno y la estética de cada ciudad o lugar, teniendo también una edición no ayuda del todo a la película y se siente tosca, haciendo que el espectador sienta que cortaron mucho, faltan escenas y peor aún, dejan cosas sin explicación como tal.

3 años de memes relacionados desde el anuncio de la película.

En conclusión, Batman v Superman, aunque no es la mejor película del género, y no es una muy buena película, logra con su cometido de no solo entretener, sino también de tener unas ideas muy interesantes a desarrollar y generar cierto tipo de expectativa frente a lo que está por venir en el universo de DC, aunque esto signifique que también se sienta cargada y se sienta como lo que es: Una película de preparación o prologo para La Liga de la Justicia, y no para una excelente película de Batman v Superman, que aun con problemas y demás, vale la pena ver y sorprenderse por lo que quieren hacer.

Recuerdo de que aunque luzca bien, argumentalmente menos es mas.

LO BUENO: La pelea entre los dos héroes, Wonder Woman, Batman, Alfred, Lex Luthor (aunque se siente un poco raro), la batalla final, la música, el aspecto visual en general de la película y algunos planteamientos que quizá no fueron aprovechados al máximo como tal, son tratados de buena forma.

LO MALO: Las inconsistencias en el ritmo de la película y el guion, la necesidad de preparar varias películas, querer hacer muchas cosas en tan poco tiempo para establecer un universo rápidamente y el personaje de Lois Lane está totalmente desperdiciado sintiéndose como un personaje que va de un lado a otro.

LO FEO: La manera de presentar a los miembros de la liga (que aunque en el momento funciona, luego deja un sabor de que se pudo haber hecho mejor) y no tener un tema definido como tal, sintiéndose como cinco películas en una (aunque mas como un prologo de La Liga de la Justicia que Batman v Superman).

CALIFICACIÓN: 7.0/10

Critica a Deadpool: ¡Tiempo de hacer unas p**** Chimichangas!

Deadpool de Tim Miller, nos cuenta sobre Wade Wilson, un mercenario que después de ser sometido a un experimento que lo deja con nuevas habilidades y con un retorcido sentido del humor, Wilson persigue al hombre que casi destruyó su vida para así volver con su chica. Con un humor que refleja fielmente al personaje de los comics y con una dirección dinámica y que mantiene al espectador al borde de su asiento, nos recuerdan que un gran poder conlleva una gran irresponsabilidad (o algo así), esto es Deadpool.

Bigger is better

Empezando por la dirección que es frenética en cada secuencia de acción, dando no solo un estilo visual a la película, sino que también lograr que el espectador entienda y se identifique con Deadpool y lo apoye e su misión, al igual que continuar con un ritmo adecuado la historia y su desarrollo.

Mejor campaña publicitaria del mundo.

En cuanto al guion, es quizá uno de los más graciosos, creativos y violentos del género de acción como tal, logrando que no solo sintamos empatía por nuestro protagonista, sino por cada uno de los personajes presentes, además de crear escenas de acción elaboradas y visualmente atractivas, que nos mantienen en un continuo cambio de sentimientos y sensaciones, y una narrativa que fluye a un ritmo que va acorde con nuestro protagonista.

Expresividad ante todo.

Por otro lado, Ryan Reynolds es Deadpool, mostrando el amor y respeto que le tiene al personaje, llevándolo a la vida y logrando que los espectadores entiendan al personaje en todas sus facetas, pero esto no es logrado sin estar rodeado de un reparto que cumple con creces  su rol en la película y sirven de apoyo al personaje.

Aquí posando.

Cabe mencionar también que la fotografía es muy buena, manejando unos movimientos de cámara muy buenos, que se mantienen a la par con el ritmo y la situación del personaje y el momento, siendo creativa sobre todo en escenas de más carga dramática y que tienen un interior como lugar para las escenas.

Rompiendo la cuarta pared.

Sin embargo, aunque el sonido y su respectiva mezcla generan no solo un ambiente de caos en cada situación y se sienta un balance perfecto entre lo que sucede y la narración en la película,  la música no destaca mucho frente al resto de partes de la película, siendo opacada aún más por los temas musicales usados durante la película, que la misma partitura compuesta para esta.

Y por último, el diseño de producción y la dirección de arte logran el aspecto visual más fiel que se ha visto en una película de X-Men, siendo los personajes, sus trajes y lo que los rodea, uno de los aspectos que más resalta, reflejando aprecio, respeto y cariño al material de origen, teniendo también una edición que genera un ritmo propicio para la pelicula, pero que puede sentirse un poco lenta en algunos aspectos, aunque resaltando sobre todo en las secuencias de montaje, donde resalta muy bien el frenesí y locura del personaje.

Amor puro y del bueno.

En conclusión, Deadpool es una pelicula fiel al comic de origen, que lograra sacar risas a más de uno y demostrar después de varios años de lucha para contar la historia del mercenario bocazas, que valía la pena contar la historia, teniendo corazón de principio a fin y reflejando todo esto en cada aspecto de la película.

LO BUENO: Deadpool, Coloso, las secuencias de acción, los montajes paralelos, las canciones usadas, la edición, los efectos, el humor y el respeto a los comics.

LO MALO: El score de Junkie XL no es memorable ni lleno de adrenalina, Ajax se siente tosco en unas escenas y la película pierde el ritmo en unos pequeños momentos.

LO FEO: Que tuvimos que esperar 5 años para ver esta pelicula.

CALIFICACIÓN: 9.4/10

[Análisis] To 3D or To Not 3D: ¿El 3D solo consiste en lanzar cosas al público?

Muchas cosas se han dicho los últimos años sobre el 3D. Que es solo una moda pasajera, que va a ser una dictadura, que es solo un truco barato, que solo es para que los estudios ganen más dinero, etc.

Esto ha llevado a que nos preguntemos, ¿de verdad el 3D es importante? La respuesta fácil sería: No, una película puede ser la misma sin ella, y la verdad es que si, la película puede sobrevivir sin 3D y aportar la misma historia, lo que crea una nueva pregunta: ¿Por qué el público y los realizadores continúan consumiendo y realizando productos en este formato, respectivamente?

Viejo perro, trucos nuevos.

Para eso vamos a determinar siete ítems, los cuales son expuestos por Cinemablend (To 3D or To Not 3D, acá encuentras reseñas basadas en el aspecto 3D de las películas, solo está en inglés) que nos ayudaran mucho en determinar que aporta el 3D a una película y si es “un buen 3D o mal 3D”, empecemos:

1. ¿Si aporta?

Tu ojos ante la película.

Esta es la más sencilla. La idea es saber si una película puede aprovechar o no el 3D, lo cual puede resolverse de manera fácil mirando dos aspectos: A) Si la película tiene elementos de géneros tales como la ciencia ficción, acción, aventuras, es una animación o tiene efectos visuales y especiales, es muy probable que la película se favorezca de grabar en 3D.

Por otro lado, un drama, una comedia o un thriller son más difíciles y el efecto 3D será mucho más obvio, pero, ¿Aporta a la película?, y ahí entra nuestro segundo aspecto: B) El apartado visual, fotográfico y la historia. ¿Recuerdan cuando salió El Gran Gatsby con Leonardo DiCaprio?, pues fue rodada en 3D, generando una duda, ¿porque? Y es acá donde se pone complicado, quizá el forzar al rodar en 3D depende no solo de la visión del director, sino también en si es necesaria y se puede aprovechar, ejemplo:

Una película como Avatar, Prometeo, Mad Max o Toy Story 3 tienen más facilidad de aprovechar el 3D y como juega con el entorno; En cambio, películas como El Gran Gatsby, Stalingrado o cualquier película que fuera re-estrenada en 3D, son más complicadas de adaptar al sistema y a poder jugar con el entorno.

2. Esfuerzo y planeación.

¿A mejor cámara, mejor 3D?

Aquí hay un problema, del cual poca gente sabe la respuesta: ¿Cuántas películas 3D en realidad son 3D?

Sucede que el hecho de que sea estrenada en 3D no significa que este grabada en 3D, lo cual puede ser o un bien, o un problema de cabeza para todo el mundo. El hecho de grabar con cámaras 3D facilita a todo el equipo a tener un mejor resultado en los distintos beneficios del 3D, pero que sea grabada normalmente, y luego se haga una post-conversión en 3D puede ser o beneficioso, o un mal movimiento.

Siempre se debe tener en cuenta de que y como se va a grabar, y más aún, en que formatos se va a proyectar: Un estudio y un director puede preferir grabar y tener un resultado sobresaliente, o hacer todo en post (ya sea por presupuesto, o porque esto complica las labores de todos los departamentos para que utilicen una mejora en los colores rojo, azul y verde en cada escena y sean el triple de cuidadosos), y tener un resultado menor pero igual de bueno, el problema yace es en como lo hacen.

De manera rápida veamos 5 ejemplos:

A) Guardianes de la Galaxia tiene un excelente uso del 3D, pero es hecha en postproducción.

B) Avatar fue grabada en 3D, lo cual le dio la capacidad de sacar lo mejor del 3D.

C) El Ultimo Maestro del Aire tuvo un 3D hecho en post, lo cual le dio pésimos resultados.

D) Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas (la 4, de la cual nadie se acuerda), fue rodada en 3D, pero no había ningún signo de que fuera así durante la proyección.

E) Transformers: El Lado Oscuro de la Luna fue uno de los primeros híbridos, con escenas rodadas en 3D y otras en Post-producción.

Teniendo en cuenta esto, grabar en 3D no te va a dar lo mejor, a menos que lo sepas utilizar, así que hay que tener en cuenta que si está grabada en 3D vamos a tener mejores resultados, pero si hay post-producción de por medio, las cosas pueden salir bien o mal, dependiendo de qué tan en mente hayan tenido en cuenta el 3D los realizadores y que tan comprometidos sean al entregar la mejor versión posible.

3. Delante de la pantalla.

Cuando todo te cae en la cara.

Este es el recurso que hizo famoso el 3D: Los objetos que saltan hacia el espectador que lo hacen saltar, mover la cabeza rápidamente o correr de un lado a otro de su asiento.

Quizá al ser el ítem más reconocido, es del que menos hay que hablar y explicar: Mientras más objetos salgan hacia la pantalla, mejor se va a sentir el efecto 3D, pero, solo si es usado bien y no agota al espectador.

Todos queremos que en una película 3D nos lancen algo o notemos que algo salga de la pantalla, pero tampoco queremos que se abuse de este efecto; Y no solo tienen que ser objetos específicos, pueden ser el mismo ambiente (niebla, cenizas, arena) lo cual hará que la película se sienta con más poder visual y apreciativo.

4. Más allá de la pantalla.

A mejor calidad, mayor felicidad.

Este ítem es el más complicado de hablar, ¿Por qué? Porque sucede que es un aspecto técnico que muy pocas veces lo aprovechan al 100%, y lo mejor, que hace sentir a la película viva.

Este ítem se refiere más a que tanto podemos apreciar en la imagen y en la profundidad de cada toma o plano, en otras palabras, que tanto se siente el entono y el universo que rodea a los personajes: Los edificios, las texturas, los colores las luces, la gente que pasa al fondo de la cámara, los escombros, etc, cualquier elemento que este junto a los personajes permite que estos se sientan más reales, al igual que lo que vemos, al igual que dotar de un carácter más artístico e interesante en cuestión de colores y fotografía.

Tomemos como ejemplo dos películas: A) Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros, donde a pesar de ser una película con post-3D, aprovecha al máximo esta técnica, dotando de más realismo los entornos, debido a un aspecto muy particular y colorido; y B) Avatar, donde la profundidad ayudaba a dar mejor forma al universo de Pandora y a cada elemento que hay alrededor, haciéndolo más creíble a la vista del espectador.

La técnica es difícil algunas veces de notar, pero cuando está bien hecha permite resaltar cada plano como si fuera un cuadro de arte frente a nosotros, al cual podemos entrar.

5. Brillo.

Carta de Michael Bay a proyeccionistas de cine antes del estreno de Transformers 3

Acá hay una dificultad, y es que no solo depende de la película, sino también de la sala de proyección: Las gafas 3D actualmente son polarizadas (lo que permite tener el efecto 3D a los filtros mostrados en pantalla), por lo tanto son negras, así que por ende, la proyección tratara de ser lo más brillante posible en primera, y en segunda los realizadores tendrán que tener cuidado con escenas que estén en un espacio oscuro, lo cual puede dificultar tanto en post, como en el rodaje como tal.

Esta clase de problemas eran muy frecuentes durante el boom del 3D en el 2009, pero ya cada vez va siendo menos los problemas frente a esto.

6. El test de “Fuera Gafas”.

Ver como los que usamos gafas.

¿Quieres saber que tanto 3D hay en pantalla? Retírate las gafas un momento y mira cuan distorsionada esta la imagen, mientras más distorsionada, mejor es el resultado frente al 3D.

Esta técnica permite resumir los 5 items anteriores en un momento, dejando al espectador la sensación de si hay o no 3D, y de cuan provechoso es en cada escena.

7. Salud de la audiencia.

Tweet sobre gente con nauseas despues de ver The Walk en 3D

Que mires algo en 3D, que este grabado en 3D y que tenga la mejor post-conversión en el mundo, no siempre es bueno si no está en las manos correctas.

Si los movimientos de cámara, la acción, los cortes son muy salvajes, y peor aún, muy continuos, el espectador no solo va a salir mareado, sino con dolor de cabeza, y el ejemplo vivo es Transformers: La Era de la Extinción (Lee la reseña que le hice dando clic acá).

Esta película hacia que los espectadores lloraran de lo forzado y largo que era el 3D, además de las maniobras constantes de los protagonistas y la cámara, hacía que le ardieran los ojos al espectador y saliera con dolor de cabeza.

Mientras más cuidado sea el aspecto técnico, mejor para el espectador y su salud, nadie quiere pagar para entrar a cine a recibir un dolor de cabeza y marearse.

La audiencia como prioridad para brindar la mejor experiencia.

En conclusión, aunque el formato 3D no sea necesario, abre las puertas a muchas ventajas artísticas y técnicas que permitan una catarsis con el espectador, generando que este disfrute la película aún más y se sienta dentro de la misma. Bueno o malo, es cuestión de gustos y de la forma en la que cada estudio y/o director lo apliquen a su favor, ya sea a una película de terror (Destino Final 4), una de acción (Los Vengadores), drama (Love), épica (Éxodo) o ciencia ficción (Rescate a Marte), al menos como espectador ya tienes bases para saber que es un buen o mal 3D.

Critica a La Isla Mínima: Thriller a la española.

La Isla Mínima de Alberto Rodríguez es una película que a partir de varios elementos del cine negro, crea una historia atrapante y llena de misterio, donde resalta la dirección, la narrativa y la fotografía de la misma, dando un tono cinematográfico perfecto que nos hace participes de lo que ocurre durante este viaje de lo moral y lo inmoral.

En busca de dar ejemplo de buen cine.

Empezando por la dirección que es excelente, siendo planteada a partir de cada posición de cámara, el ritmo de la historia y como relatar unos hechos a partir de una estética que tanto en lo visual como en lo narrativo, rememoran a películas del cine negro tales como Zodiac de David Fincher o Bad Day at Black Rock de John Sturges, logrando capturar una esencia digna del género y llevándolo a un ritmo y estilo único, que hace que no se pierda el interés en ningún momento y nos logremos conectar con los personajes, su universo y con la historia, manteniendo una identidad propia.

Dúo dinámico formidable.

En cuanto al guion, es audaz al llevar una historia y un tema que requiere de mucho tratamiento y de mucha imaginación para lograr un resultado de calidad, sin caer en el cliché, logrando con creces una historia atrapante de principio a fin que no se detiene en su  desarrollo, presentando personajes muy interesantes, dejando que el espectador se deje llevar por la trama y sus diálogos, los cuales nos revelan la cantidad justa de información para que nos conectemos con los personajes y entendamos la posición y mentalidad de cada uno, incluso su vida cotidiana y tener la perspectiva de ellos y la sensación de no saber hacia dónde va la historia, terminando de manera satisfactoria la historia.

Cada persona lidia con sus demonios.

Por otro lado, los actores entregan unos papeles muy bien logrados que requieren tanto de preparación física, como dramática, entregando cada momento un personaje solido que hace que nos sintamos identificados con uno de los dos detectives protagonistas, y de paso, lograr una catarsis con ambos y preocupamos por el camino de cada uno y su destino gracias a la gran química de todos los actores, siendo apoyados por un elenco muy bueno, que logra llevar el alma y el sentimiento de frustración y violencia a un buen nivel y hacer sentir vivo al universo planteado.

Profesionalidad y compromiso como familia.

Cabe mencionar también que la fotografía es resuelta de una manera formidable, manteniendo las secuencias más difíciles a flote debido a una estética especial que se refleja en cada plano cenital en la película, teniendo un movimiento preciso para cada situación y que se une a la forma de actuar de los personajes.

La historia y el mundo, como una mente colectiva que es examinada.

Sin embargo, aunque el sonido y su respectiva mezcla son muy bien logrados, generando un ambiente turbio y frio, manteniendo el foco de atención en el punto de vista de la pareja de detectives y cómo reaccionan ante cada situación y momento, siendo la secuencia del clímax muy bien creada y manejada, generando la tensión adecuada en el espectador y que la historia se sienta fuertemente,  la música logra llevar una gran atención a cada momento de la película, al estar lograda de una manera sublime, que permite reforzar no solo el ambiente que se genera en la película, sino también el punto de vista de los detectives y las situaciones por la que pasan y el camino por el que recorren.

Haciendo realidad los sueños.

Y por último, el diseño de producción y la dirección de arte logran un ambiente más que propicio y respetuoso a la época, lo que logra que se mezcle muy bien los personajes y los entornos, al igual que los efectos utilizados durante toda la producción de la misma, logrando que se vean realistas, teniendo también una edición que genera un sentimiento de montaje paralelo entre la pareja protagonista y logra manejar la tensión a un nivel muy marcado, con el cual logra atrapar al espectador.

En conclusión, La Isla Mínima es una película muy bien lograda, con grandes actuaciones, una edición y dirección excelentes y que nos plantea en un mundo donde hay una lucha entre lo correcto y lo necesario, atrapando al espectador en una trama que rompe varios clichés del cine negro y logra salir victoriosa debido a su frescura, a su tema y a su postura en general a través del guion y la imagen.

LO BUENO: La fotografía es excelente, el ritmo del primer y tercer acto es muy bueno, la trama se desarrolla muy bien, las actuaciones son muy bien logradas, la edición es muy buena y mantiene la tensión en gran parte de la película y la dirección está muy bien encaminada a tener una historia que lo mantiene a uno al borde del asiento.

LO MALO: El final puede llegar a ser poco satisfactorio.

LO FEO: La casi nula promoción de esta película en el país.

CALIFICACIÓN: 9.6/10

Critica a La Tierra y La Sombra: El amanecer del cine colombiano.

La Tierra y La Sombra de César Augusto Acevedo logra atrapar al espectador en una historia de reconciliación entre un padre y su familia, a la cual abandono tiempo atrás, teniendo como trasfondo un entorno de cambio e industrialización que rodea a nuestros personajes y nos hablan críticamente sobre el abandono y la ausencia, todo esto contado a partir de una excelente fotografía, la cual le hizo merecedora a la Caméra d'or en el Festival de Cannes, y de un planteamiento argumental y visual que rememora una atmósfera de aislamiento y pesadez frente a los cambios del tiempo mismo, logrando usar de manera eficaz una historia llena de metáforas y conflictos que hacen cuestionar al espectador sobre la situación de un país y la familia.

Bella película, bella fotografía.

Empezando por una dirección muy precisa y bien manejada, dando un estilo no solo propicio para la historia, sino que funciona como narrativa de cada imagen y del universo de los personajes, logrando que cada plano,  que cada escena tenga su momento y razón de ser, y mejor aún, que el ritmo llevado sea el más preciso para llevar esta historia, siendo usado en pro de la historia, así como en Señoritas de Lina Rodríguez, donde el plano contemplativo es uno de los recursos del lenguaje cinematográfico para poder relatar la historia.

La técnica detrás de la magia.

En cuanto al guion, aunque es sencillo en su fórmula, es muy efectivo al plantear cada situación y cada curva dramática, logrando que el espectador entienda a partir de lo visual el sentimiento de los personajes, y por el dialogo la información necesaria para definir cada relación y punto de vista, logrando un muy buen balance entre lo argumental y lo visual, sin caer en la sobre-exposición de tramas o tener escenas sin sentido, aunque tiene falencias en la naturalidad de algunos diálogos y como son dichos por los mismos actores, dando paso a tener un aire de películas tales como Todos Se Van de Sergio Cabrera, donde se hace una crítica a un cambio en la sociedad, al mismo tiempo de una relación familiar en busca de la redención.

Ejemplo de una buena fotografia.

Por otro lado, los actores tienen un rol fundamental que mueve la película de principio a fin, siendo su determinación y su naturalidad lo que nos da un ambiente más realista, y es el hecho de tener actores naturales, algo muy usado en este tipo de producciones (ejemplo, Porfirio, Los Colores de la Montaña o Alias María), denota muy bien la intención de cada momento, aunque logre el dialogo en unas pocas ocasiones, dar un paso atrás a la escena o momento de la película.

Cabe mencionar que la fotografía es sumamente hermosa, logrando que cada plano luzca de manera única, reflejando unos espacios más cerrados y oscuros en algunos momentos, incluso reflejando en cada movimiento de cámara una precisión perfecta para saber dónde empieza y termina el plano, siendo la secuencia final una muestra de talento impresionante, con un fondo tanto artístico como estético y técnico de gran calidad.

La familia como eje central.

Sin embargo, el sonido y su respectiva mezcla son uno de los aspectos más importantes de esta película, pues a través de este se refuerza la sensación de encierro y cambio, generando un ambiente muy fuerte, reflejado en la quema de la caña, logrando un ambiente fuerte y pesado que da una sensación de aislamiento y soledad, manteniendo un balance perfecto entre diálogos, ambientes y foleys.

"Los Héroes colombianos del arte"

Y por último, el diseño de producción y la dirección de arte resaltan de tal manera que hacen que los lugares no solo refuercen la idea de la película, sino que la misma paleta de colores y planteamiento hace que el entorno refleje a sus personajes y que vaya evolucionando con ellos constantemente, al igual que el rol de cada lugar en la historia y como se desenvuelve ante la cámara.

En conclusión, La Tierra y La Sombra es una película que no solo habla visual y narrativamente sobre una sociedad cambiante por la industria y la búsqueda de salvación de una familia como tal, sino que muestra otra cara del cine colombiano en la actualidad y de la gran capacidad argumental, técnica, artística y visual de nuestros realizadores, a partir de una historia hecha con corazón y pasión.

LO BUENO: La fotografía es muy bien lograda, en especial en las últimas escenas de la película, la historia lleva un ritmo muy preciso y es atrapante, la dirección refleja muy bien el propósito de cada secuencia y el sonido logra crear un ambiente muy fuerte durante toda la película y hace que se sienta vivo el entorno.

LO MALO: La historia se demora un poco en despegar y algunos diálogos no son los más pertinentes.

LO FEO: No hay un gran apoyo en las salas a producciones con tanto valor cinematográfico por parte del público.

CALIFICACIÓN: 9.4/10